Quienes lo vieron en su momento en El aura, de Fabián Bielinsky, ya intuían la potencialidad actoral de ese -por entonces-adolescente. Su carrera creció y se diversificó: comenzó su trayectoria en el cine francés, que luego se extendió a otros países de Europa. Ahora se estrena un nuevo film, dirigido por el uruguayo Manuel Nieto Zas, en el que Pérez Biscayart encarna a un joven burgués, el «patrón» del título. «Es una película social sin querer serlo», señala.   

Los espectadores que vieron El aura de Fabián Bielinsky probablemente recordarán a Nahuel Pérez Biscayart, entonces un adolescente, pero sobre todo por esa mirada penetrante y aterradora que aún lo detiene. Esta fue una de sus primeras películas en el cine argentino, aunque luego desarrolló una importante carrera tanto en el cine nacional como en la televisión local. Pero el actor logró traspasar los límites y, gracias a su capacidad para aprender diferentes idiomas (inglés, francés, alemán, chino, italiano), inició su carrera en el cine francés, que luego se extendió a otros países europeos. Bisagra interpretó el papel de Sean Dalmazo en la película francesa 120 latidos por minuto en 2017 (también estrenada en Argentina), que le valió el premio a Mejor Actor en los prestigiosos Premios César de la Academia Francesa, los Premios Lumière y los Globos de Cristal. La película reconstruye la historia de Act Up, la historia del movimiento internacional que organizó acciones para sensibilizar sobre la epidemia de VIH/SIDA en Francia en la década de 1990, cuando el SIDA no solo era una amenaza para la humanidad sino también una excusa para la discriminación contra minorías sexuales. Por su talento, Pérez Biscayart fue el primer actor argentino en ser nominado a un Premio del Cine Europeo.

A partir de este jueves se podrá ver la película Obrero y Modelo en el filme, dirigido por el director uruguayo Manuel Nieto Zas, que presenta la relación entre miembros de dos clases aparentemente opuestas, pero que en la historia unen la paz y un vínculo culpable. La película, que se estrenó el año pasado en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes y también se presentó en los festivales de San Sebastián y Mar del Plata, se proyectará en el cine Gaumont desde este jueves, viernes, a las 22:00 horas. Cine. A partir de ahora estará gratis en la plataforma Signal durante una semana, además de estar incluido en el catálogo de Flow a partir de febrero.

Pérez Biscayart se pone la máscara del director, quien aparentemente lo tiene todo, pero padece una preocupación urgente: la salud de su bebé. El trabajador (Cristian Borges) busca trabajo para ayudar a su recién nacido. Por eso no duda cuando el patrón decide contratarlo para trabajar en sus tierras. Ambos satisfarán sus necesidades ayudándose mutuamente. Pero un día ocurre un accidente. Este evento imprevisto romperá los lazos entre ellos, poniendo en peligro el destino de las dos familias.

«A medida que pasa el tiempo, pierde un poco el contacto con ese momento inicial. “Leí el guión de repente y eso ya es una buena señal, en general, porque hay algo que te enciende. Me parecía que era un objeto, aunque fuera muy Manolo (para el director), en cierto sentido, había una narrativa que no había desarrollado antes en sus otras películas: una narrativa más densa, con más tensión, con una poco más de género, pero todo su universo, el suyo sin perder de vista la zona, su horizonte, su sencillez”, explicó el actor.

-El director dijo: «La gente verá el título con la idea que crea sobre la lucha de clases y no se sentirán decepcionados porque está ahí, pero es principalmente una película de personajes». ¿Estás de acuerdo?

-Sí en total. De hecho, su sencillez también da para mucho en este sentido, porque aunque plantea y plantea muchas preguntas en clase, no arroja luz por un lado, no te da un último mensaje, no lo hace. emitir una resolución. Es algo muy presente. La película no se vuelve farisaica. Se vuelve incómodo cuando presentas todo con tanta sencillez porque sientes que las preguntas que te haces son bastante incómodas: quién está permitido, quién tiene la culpa, a quién se lo debes, quién hizo las cosas bien y quién no, autocrítica. culpa, inútil. compasión. Todos los que se despiertan a lo largo de la película tienen que ver con tener personajes que pasan por una historia y ya. No es un ensayo sociológico. Es una película social no intencionada. Para mí es más alto que el género y la tensión, en un punto. Quizás más cerca de una película del oeste que de una película social en Darden.

-Nieto eligió a actores locales sin experiencia -algo común en su cine- para los roles principales del cuerpo de actores y profesionales. ¿Crees que esto tiene algo que ver con el aumento de los contrastes sociales?

-Sí. De hecho, Manolo no tiene ganas de dirigir al actor. Es muy específico dejarlo solo o pedir lo que quieras. Por supuesto, cuando haces el casting, estás predirigiendo la película. A veces, el casting representa el 80 por ciento de la película, especialmente cuando se trata de películas de personajes. Seguramente ese contraste estaba ahí. Tratar con personas que nunca han trabajado con una cámara significa que hay que tener mucha más paciencia, porque vivir esta experiencia por primera vez también puede resultar estresante. Recuerdo cuando actué por primera vez. Entonces toda esa atención que empieza a despertar en el rodaje seguro que traspasa la pantalla. Y él es consciente de eso y dar un lugar es genial. Hay componentes de actuación que le dan a una película su forma y tono.

-¿Cómo fue interpretar a un joven burgués? ¿Es ideal tener una distancia emocional con un personaje que parece tan diferente a ti, o necesitas identificarte con personajes con los que no compartes nada en algún momento?

-Trata de no juzgar a los personajes, al menos cuando están actuando, y sé lo más veraz posible. Si hay prueba, que venga después, pero no mientras. Cuando el personaje está lejos de verse en el mundo, hay algo fuera de sus ideales o incluso social (no soy un millón ni nada rural) que crea una fricción entre el actor y el personaje y la mini pelea es interesante porque la cámara también percibe cosas.

– Recientemente también apareció en el cine argentino: El fugue, de Natalia Meta. ¿Sientes que nunca te has ido del cine argentino? ¿Vives más de las oportunidades que se nos presentaron en el extranjero, qué pasó con tu carrera?

-Sí en total. Fueron las oportunidades que me dieron, las que aproveché y experimenté. Las cosas están abiertas en todas partes. Me siento rodeada, en un sentido físico y en términos más simbólicos. O al menos eso es lo que trato de proponerme, que no hay diferencia, no hay retorno, no hay retorno, apreciar la suerte de poder trabajar con lo que me gusta, y que también puede ser en diferentes lugares. , en diferentes contextos culturales y lingüísticos. Me gusta dar por sentada toda esta prosperidad, sin sentir que me “iba” o “volvía”. Se trata básicamente de proyectos que me desafían, de vocación. Pueden ser de cualquier parte. No hay prioridad de nacionalidad.

-Pero ahora trabajar en el cine argentino ganó Europa y ganó el César como actor de cine, ¿algo cambia o no?

-En mí, no. Sigo disfrutando y sufriendo por igual con los retos cinematográficos, estén donde estén. No me siento más seguro ni más seguro. Cada proyecto que emprendo es un descubrimiento, un reto y una aventura, estar en cualquier lugar.

-¿La forma de interpretar un personaje cambia según el idioma?

-Si, absolutamente. He estado pensando mucho este año porque el lenguaje no es solo fonético. También es corporal. Así que va más allá de saber y pronunciar bien las palabras. La forma en que uno vive en el espacio está relacionada con la forma en que uno mira a los demás. Tiene que ver con la forma en que te presentas. No digo que todos los idiomas tengan el mismo tipo de comportamiento físico o social, pero hay características que se ven en los idiomas que son bastante obvias. Y es bueno leerlos y tomarlos también. Sigo pensando que es un trabajo inconsciente. No es que tenga que jugar al francés si empiezo a ver a un francés moviendo los brazos. No. Pero es similar al lenguaje: expresiones, formas de reaccionar ante ciertas cosas, dónde observar y dónde no, dónde aceptar o no la entonación, el nivel de implicación del habla. la otra, la capacidad de sorprender… Hay muchas cosas relacionadas con el idioma que estás hablando. Por eso es tan ridículo, es casi como un sonido que se convierte en un disfraz.

-¿El aprendizaje de diferentes idiomas fue exclusivo del cine o tuviste formación?

-Sin cero. Hace unos 15 años fui nominado para una Beca Rolex Mentors and Disciples. Y estaba con un grupo de teatro de Nueva York. La única forma de conseguir una beca o de optar a la etapa final era hablar inglés, por supuesto. Así que el lenguaje sería muy básico. Allí comencé a aprender inglés durante ocho horas al día. Me obsesioné, leí todos los libros de ese grupo de teatro, vi todos los videos, aprendí el lenguaje del teatro. Hice una especie de clavado loco porque tenía muchas ganas de ganar esa beca y tener una experiencia en otro país. Entonces me vi a mí mismo aprendiendo un idioma bastante rápido. Entonces, cuando hice mi primera película francesa, estuve en París durante tres meses para aprender francés. Invertí lo que gané en esa película para aprender francés. Yo era medio fluido en idiomas. De nuevo, estudiaba ocho horas al día. Aprendí lo básico y luego seguí aprendiendo alemán, un poco de chino… Empecé a aprender idiomas, porque cuando se habilita este lugar para aprender es bueno ir más allá del bilingüe. Después me llamaron para una película alemana, que iba a ser el año que viene, y aunque hablaba con mi acento o lo que yo quisiera, empecé a aprender alemán. Me llaman para actuar en un primer idioma y luego es como si estuviera aprendiendo. Eso es lo que sucede. Sin darme cuenta, llegó un momento en que no hablaba alemán pero lo pronunciaba bastante bien, y finalmente hice una obra de teatro de dos horas toda en alemán con los alemanes. No es que dije «Quiero seguir una carrera en el teatro austriaco». Cuando no te das cuenta, dices: «Oh, estoy jugando en un buen idioma nuevo y lo estoy haciendo». Está muy inconsciente. Y si te lo piensas dos veces, es un ataque de pánico porque es una aventura extrema (risas). No tienes que pensar mucho. Tienes que centrarte en el lenguaje corporal.

¿Ha funcionado -120 pulsaciones como bisagra por minuto en tu carrera internacional?

-Por supuesto. Tenía más guiones y más libertad para leer y elegir entre más países.

-¿Fue uno de los papeles más difíciles y atractivos?

-De inmediato, soy bastante agudo, tengo una memoria bastante ligera, como si sintiera que encontramos algo después de cada día de filmación. En general, cada día de filmación es un misterio de cómo sucederá. Y ese momento fue bueno, porque hubo constantes mini-descubrimientos. Creo que tiene que ver con que la gente esté un poco alineada cuando todos juntamos todo con la misma creencia y el mismo fuego, pero con mucho juego e incluso libertad. Fue muy complejo, pero al mismo tiempo fue muy fluido. Y esa es una buena combinación: cuando hay una complejidad en la tarea que tenemos que hacer, pero cuando las cosas van bien, parece que también hay un colectivo que sustenta esa experiencia. Y se vuelve aún más agotador o no agotador: se vuelve gratificante porque obtienes un gran retorno de tus compañeros de trabajo, de las personas con las que trabajas. Eso es lo más bonito. Cuanto más difícil sea, pero cuanto más nos unamos todos en la misión, más fluida, probable y creativa será. Pero está claro que estas cosas no se pueden planificar. La elección del equipo técnico y del casting está un poco planificada. Cuando eliges un grupo, generalmente configuras el 80 por ciento de lo que será la película en la forma enérgica en que las personas trabajan detrás de la cámara, en formas sinérgicas que conectan a los actores no solo profesionalmente, sino también en otras profundidades. las capas que hacen la vida y la verdad del proyecto.

-¿Qué nos puedes contar de la experiencia de la película, Noemí Merlant de Isaki Lacuesta, Un año, una noche, el atentado en el Teatro Bataclan de París?

-Está basada en la novela de Ramón González, que estuvo esa noche en la Sala Bataclan. Su vida cambió mucho a partir de esa noche. Comenzó a hacer las cosas que quería hacer, escribir y tocar música. Se convirtió en escritor. Y esta novela corta, que tiene un muy buen valor de experiencia, permite los detalles de un recuerdo alterado por un trauma, una experiencia que desde fuera puede ser muy totalizadora. Oímos disparos de afuera, muerte y kitto, y él estaba adentro, había visto y experimentado todo eso, pero también había visto y experimentado miles de cosas más de las que nadie podría haber imaginado. Entonces, el guión comienza con esta novela corta y tiene un nivel de detalle y experiencia muy interesante, especialmente en lo que respecta a la actuación. Es como salir de un gran evento y entrar en las pequeñas tramas secundarias que puede tener. Especialmente porque la película continúa esa noche y un año después. Por eso se llama Un año, una noche. Y es el año posterior al ataque de Bataclan, y cómo los dos personajes lidian con sus recuerdos de esa noche, su historia de amor y su trabajo en la Tierra.

-¿Cómo notas que París cambió después del atentado?

-Ves soldados con armas largas todo el tiempo visualmente y en concreto. Todavía hay estado de emergencia y hay muchos controles bastante extremos con escáneres en museos, en galerías. Pero, en general, viene con un control policial cada vez mayor en Francia. Todo va de la mano. O quizás la presencia de la policía, la represión, especialmente la persecución de las minorías (migrantes, comunidad LGBT), también se utiliza como excusa para sobrecargar a todas las personas que generalmente son condenadas por el Estado en su conjunto. Y nunca en mi vida he visto un nivel de represión como el de la policía francesa. Nunca he visto tal nivel técnico de represión.

La carga histórica

En la película El profesor de persa, dirigida por Vadim Perelman, Nahuel Pérez Biscayart se pone en la piel de un judío detenido por soldados de las SS y aparentemente logra evitar ser ejecutado por un oficial persa de un campo de concentración. . «Cuando haces películas con tanta tragedia y carga histórica, es imposible escapar de toda esa carga. Incluso si no intentas mojarte la cabeza, el cuerpo histórico pasa por todos estos horrores y es muy poderoso. Es delicado. Y manejarlo bien”, dijo. Sabían en medio del rodaje que el lugar donde estaban filmando era un campo de detención durante la época de Stalin “. Como si tuvieras que hacerlo y terminarlo e irte. Tienes la sensación de que no tienes que tirar demasiado fuerte. cordón”, concluyó Pérez Biscayart.